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Adam Kalinowski - Infinite, escultura para reforestar el paisaje de la ciudad

Realizada con motivo de las actividades de la Ciudad Europea de la Cultura 2.016, cuya sede ha recaido en la ciudad polaca de Wroclaw. La instalación titulada Infinite se inspira en la forma que completa un bucle de símbolo.

Creada por el artista Adam Kalinowsk, la pieza cuya estructura esta divida en diferentes alturas ha sido instalada en una de las plazas mas céntricas de la ciudad. Donde aparte de cumplir un función estética se integra en el espacio publico como parte del mobiliario urbano.

Distribuidas en terrazas que van de mayor en la base a menor desbordan en la parte más elevada, diferentes especies de plantas seleccionadas. Por su capacidad para adaptarse al patrón climatológico que se respira en la ciudad e integrarse en el entorno en el que actua. 


Montada sobre un armazón fabricado en hierro forjado se trata de una intervención de carácter especifico que representa la casi infinita capacidad de la naturaleza para renovarse. La idea es construir una estructura que interactúe con el entorno. Las plantas parasitan la estructura. 


Infinite es una intervención que resalta la importancia de preservar nuestro entorno urbano, armonizandolo con nuestra necesidad de crear espacios verdes, que conserven el equilibrio en el paisaje y simetría de la ciudad.

Que representa que se transforma debido a que se anidan formas orgánicas de vida. El concepto de una escultura viva incluye plantas, que se colocan sobre la estructura en capas. La estructura se coloca entonces en la esfera pública. Esto requiere solo riego y algo de monitorización que puede ser proporcionada incluso por espectadores o voluntarios. Este esfuerzo puede producir un tipo de ritual público, inculcando el sentimiento de empatía y un sentido de responsabilidad dentro de la comunidad.

Jonas Dahlberg - Herida de memoria


Alrededor de hace dos años se perpetro uno de los atentados mas importantes de los que se ha producido en Europa, desde que finalizara la segunda guerra mundial. 

En la isla de Utoya, una de las numerosas islotes que suelen ser lugar de ocio y esparcimiento. Donde miles de noruegos se suelen acercar con sus familias y amigos, con el sano propósito de disfrutar de sus increíbles paisajes y variedad de fauna y flora. Un francotirador oculto entre la maleza disparo indiscriminadamente contra los miembros de una comunidad escolar, produciendo la muerte de 77 victimas mortales, mas los numerosos heridos y sus secuelas.

Con el doble propósito de crear un mausoleo donde honrar a sus familiares desaparecidos y denunciar la barbarie y la irracionalidad del fanatismo ideológico. El artista con sede en Estocolmo  Jonas Dahlberg, propone simbolizar todo ese horror mediante una enorme incisión que corte el promontorio próximo de Sørbråten dividiendolo en dos.

Titulado Memory Wound (herida en la memoria), esta colosal intervención sobre el terreno abriría un enorme caudal de agua modificando el paisaje y su significado. Adherido a una de las un mirador permitiría contemplar el lugar donde se cometió el atentado. 

El monumento pretende ser un espacio de encuentro, que ofrece las condiciones óptimas para el diálogo y la interacción a través del duelo y la reflexión. El lugar en sí transmitirá la topografía específica que existe como un reflejo de la vida en medio de la pérdida, la curación, la memoria y un futuro en paz.


Zonenkinder - The Tree Project, arboles creativos que humanizan nuestras relaciones con la naturaleza


Pese a la aparente pasividad de los arboles. Si te acercas puedes darte cuenta de la enorme actividad que supone para su entorno, y de las muchas y diferentes especies tanto de flora como de fauna que dependen de su actividad.

Realizadas desde 2.006 el proyecto artístico ejecutado por el estudio de arte Zonenkinder. Pretende humanizar el entorno natural a través del arte. Las tallas cuya localización se encuentran en diferentes bosques situados en países europeos, actúan como totems que enriquecen el paisaje y la diversidad de  ecosistemas que existen en Europa.

El proyecto The Tree Project, reune un conjunto de esculturas y tallas donde la expresividad provocan diferentes reacciones emocionales, creando una complicidad con el espectador que se identifica estéticamente con la representación que contempla. 


Abordando el entorno natural como un espacio creativo piezas con las que reflexionan sobre una diversidad de temas en los que  vinculan la naturaleza e identidad y, por ende, sobre nuestras relaciones Animal-Humano explora cuestiones como el consumismo y  de como afecta a la naturaleza. 



Fundado Berlin en 2003 por la pareja de artistas Carolin & Philip, sus árboles turnando son producto sin embargo de una paradoja estilística. Ya  que a pesar de que sus  intervenciones tienen el espacio natural como campo de  acción sus raíces y referentes creativos estan en referentes como la cultura del hip hop, el graffiti, el arte urbano, el punk, el anime o el Pop Art.


Desde los años noventa han participado en la cultura del graffiti y el tecno, y se encuentran entre los pioneros del graffiti narrativo figurativo y el arte urbano en Alemania. Tras trasladarse a Hamburgo ciudad en la que finalmente se han instalando, implicando en movimientos activistas en las que la expresión urbana tiene como objetivo crear conciencia social.

Realizadas en una variedad de superficies como lienzos y fachadas con las que construyen pinturas narrativas figurativas, esculturas e instalaciones al aire libre con las  que han creado su propio lenguaje. Su trabajo de estudio se centra en reflejar el impacto de la vida humana en la naturaleza, y cuestiones sociológicas vinculadas a nuestro estilo de vida y los efectos en relación a la crisis climática así como la explotación animal por la que exterminan millones de animales en mataderos gestionados por la industria carnica.


Ludovic Fesson - Bact to Nature, la naturaleza en el espejo del agua


Todos los elementos que forman parte de la naturaleza se definen además de por conservar una herencia biológica, por cuardar cierta simetría y proporción observadas en su volumen y forma.

Condiciones que ya en la antigua Grecia se consideraban como cualidades que definína la belleza tanto de las deidades como de los humano. Propiedades que te convertían inmediatamente en objeto de veneración o admiración por tus semejantes.

El artista Ludovic Fesson interviene sobre el paisaje incorporando como rasgo reconocible de su obra destacan las geometrías en sus esculturas orgánicas. La mayor parte de ellas realizadas en un entorno acuático, algo que no es muy habitual en los artistas de Land Art.


Pero lo realmente sugerente en sus instalaciones es que las estructuras que reproducen formas que se observan en la naturaleza, 
conviven con la simetría producto de la proyección que provoca el reflejo sobre el agua. Causando un efecto que aunque efímero como la obra te transmite cierto sosiego.


En el límite entre la realidad y la reflexión sus esculturas tienen por objeto el efecto de la pérdida medio-ambiental. Las imágenes que crea aparecen como formas geométricas flotando, pudiendo representar las puertas a otra dimensión o extraños animales desconocidos.

Realizadas con materiales extraídos de su entorno natural como ramas, tocones, vainas o raíces. El artistas con sede en la localidad francesa de Jargeau. Nos describe mediante la utilización de tipologías arquitectónicas esculturas naturales que se caracterizan por su delicada sobriedad y sencilla comprensión. Inspirado por los grandes artistas del Land Art como Andy Goldsworthy y Nils Udo, crea instalaciones sobre la superficie del agua como espejo desdibujando la línea entre la realidad y la ficcion.


Karin van der Molen, arte de raíz


Nuestro entorno natural ha sido hasta relativamente poco tiempo sin distinción ni perjuicios el hilo conductor, a partir del que hemos diseñado nuestra realidad amoldándola al imaginario colectivo que hemos heredado.

Y que desde el inicio de la civilización ha adoptado múltiples formas estéticas que han definido una época concreta. Relación entre el ser humano y el medio natural, en la que sin embargo ha mantenido una constante, una variante que nunca ha variado en la ecuacion.

Y que se podría definir con el término de saqueo, o depredacion del medio por parte del humano. Que casi ha percibido el planeta que lo cobija como un entorno que le pertenece o que en otro sentido le resulta desafiante o simplemente amenazador.


Por lo que independientemente del contexto y de las características del territorio que se ha propuesto habitar. Simplemente opta por activar una respuesta que se reduce a tratar de dominar el paisaje y sus propiedades por todos los medios. 

El artista Holandés Karin van der Molen, realiza proyectos escultóricos donde las referencias étnicas y el tratamiento orgánico de los materiales empleados, representan un constructo donde las practicas ancestrales de construcción.

Se combinan con criterios artísticos, trazando una tenue frontera entre lo material y lo funcional o lo meramente contemplativo. En su obra, realizada en su mayoría parte para exterior, espacios abiertos donde se siente más comoda.

Algo que se transmite en sus instalaciones, que evocan rituales del pasado y metodologías arquitectónicas. Con las que redibuja el paisaje donde se asientan, hasta que debido al paso del tiempo se degradan volviendo a la tierra donde se diluyen. 

Convirtiendo en humus con el que abonar el terreno el cual embellecen de forma temporal. Intervenciones de Land Art que debido a la naturaleza biodegradable de los materiales que recolecta de los bosques, formados por especies como el sauce o la haya muy comunes donde reside.



Vlad Tenu - Synthetic nature, creando are inspirada por formas de vida


Inspirado en formas celulares el conjunto de esculturas que forman Synthetic nature emulan la vieja aspiración del ser humano de crear entes artificiales a partir de patrones naturales. 

Firmadas por el arquitecto con sede en Londres Vlad Tenu, las instalaciones representan formas orgánicas y su pauta de auto-organización. Mostrandonoslas desde una óptica creativa y una narrativa estética cuya atmosféra evoca la lírica del lenguaje corporal. 

Siguiendo el modelo taxonomía biológica, la colección desafía la noción de artefacto a través de la creación de un conjunto de especies que se inspiran en el diseño morfológico que se podemos identificar cuando se observa una muestra de tejido tisular a través de la lente de un microspio.


Explorando sus cualidades espaciales, efectos materiales y la complejidad volumétrica a través de geometrías de superficie continua y su exposición a su entorno, Vlad reproduce su propia versión de lo que según su percepción es la unidad esencial a partir de la que se constituye cualquier inicio de vida viable y verosimil.


Su complejidad y fragilidad estética y funcional contrasta con la solidez de los materiales en su elaboración, pudiendo el espectador intuir en sus formas la disciplina en su estructura biológica y la belleza que encierra su simetría y proporción arquitectónica.

Vlad Tenu es un arquitecto rumano-británico afincado en Londres. Es conocido por su enfoque interdisciplinar del diseño y la arquitectura, que se propone  reinventar la artesanía a través de un enfoque digital. Constante que se observa tanto en el ámbito artístico como en sus diseños arquitectónicos como pabellones de exposiciones y soluciones pop-up. 

Su obra es una continua investigación sobre el rendimiento del espacio, la escala y las capacidades y propiedades de los materiales empleados. Diseños cuyas formas se basan en los mecanismos biológicos subyacentes de la naturaleza, siendo una fusión simbiótica de arte y ciencia en la que intervienen conceptos matemáticos y formulas algorítmicas.



From the floor up, alfombra organica

La instalación orgánica exhibida en la fachada del Fabrica Features  en París titulada From the floor up es fruto de un viaje realizado a la ciudad china de Nanhai. Donde un equipo de diseñadores encabezados por el diseñador Sam Baron, aprendieron como trabajan los artesanos de la fabrica Ping Tai, que continúan realizando sus encargos utilizando las técnicas milenarias.

Desplegada ambos flancos de la entrada principal el manto verde se derrama extendiéndose por parte de la acera. Tejida un proceso similar al delicado crecimiento de la hiedra, la difusión orgánica sobre una superficie vertical.

El Follaje tupido transmite sensación de exhuberancia. Dos cortinas colgantes densamente pobladas compuestas por capas de vegetación, se arrastran desde el suelo hasta el techo, atraídos por la luz del sol. La base de la alfombra con el tiempo será cubierto por la materia orgánica.


Berlinde de Bruyckere - Cripplewood, la vida y la memoria construida a partir de los retos de un árbol y su espiritu


Para su primera participación en la ultima edición Bienal de Venecia la artista Berlinde de Bruyckere, utiliza dos constantes en su trayectoria. Uno la emulación de la materia orgánica  de origen humano a través de representaciones de la natureleza.

Y dos su relación con los procesos metabólicos de oxidación/reducción debido a su exposción al medio y su biodegradación. Comisionada por el premio nobel de literatura J.M. Coetzee. Que conoce desde hace algún tiempo atras y el cual redacta varias citas ex-profeso para la instalación, una dice  "Cripplewood no es madera muerta"

Que actúa construcción narrativa que describe por principio una pieza delicada y frágil en términos estéticos. La otra es más elocuente y determinante. "Cripplewood... Como todos los árboles, a pesar de ser un árbol paralítico aspira a llegar el sol, pero algo en sus genes, alguna mala herencia, algún veneno, retuerce sus huesos".


Además se inspira en la iconografía de San SebastiánUn soldado romano que se negó a renunciar a la religión cristiana que procesaba en la clandestinidad. A menudo representado  atado a un árbol con flechas. Sobrevivio a sus heridas protegiendose de la plaga que se extendía por la ciudad.

Suceso que le convirtió en el santo siendo canonizado no sin cierta polémica previa. Este episodio épico Berlinde lo representa dándole una dimensión poética donde un árbol torcido desprovisto de su corteza muestra su delicada piel al descubierto dejando el tronco desnudo. 


Los brazos y piernas del santo representados por las ramas del árbol revela sus cicatrices. La  enorme instalación de cera reproduce con exactitud una amplia sección del tronco de un olmo caído. 

Ponderado con sacos de arena, fusiónandoles en una masa formada por troncos y ramas. La instalación cuyo tronco fue trasladado desde Francia a Bélgica donde reside Berlinde. Representan los músculos, así como los tendones y  huesos de la anatomía de un ser humano.



The Fallen, 9.000 esculturas sobre la arena de Normandia sirven para conmemorar el dia D


Con motivo de la celebración del día mundial de la paz celebrado el pasado el 21 de Septiembre y en homenaje de las decenas de miles de soldados aliados que el 6 de Junio de 1.944 cayeron en combate durante el transcurso del desembarco de Normandia.

Los artistas Andy Moss y Jamie Wardley pertenecientes a Sand in a Your Eye, decidieron trasladarse a uno de los escenarios del día D la playa  Arromanches en el norte de Francia, donde se calcula que se produjeron alrededor de 9.000 bajas entre soldados de infantería aliados y unidades del ejercito.

Para a través de la realización de una manifestación de arte colectiva en la que participaron mas de 500 personas venidas de diferentes partes del mundo. Conmemorar con muchos de los familiares de los caídos que perecieron aquella madrugada, así como cada vez mas escasos veteranos supervivientes, dejando constancia de que aquel sacrificio de vidas humanas no quede en el olvido.

Utilizando plantillas troqueladas de stencil reproduciendo el contorno de cuerpos en diferentes posturas. Los voluntarios cubrieron las playas con las esculturas de sus seres queridos que por unos instantes y hasta que la subida de la marea los arrastrara mar adentro, permanecerían con ellos en un acto de comunión y memoria.

La arena trillada al retirar la plantilla deja ver las figuras a tamaño natural de miles de cuerpos tendidos que forman The Fallen (los caídos). Como una visión de un pasado los espectros que carecen de rasgos físicos que los identifique cobran un significado universal. Su fugaz presencia mezclada con el agua y la sal se diluyen ante los ojos de sus parientes y amigos en una experiencia presidida por la emotividad.




Las escultóricas formas de los arboles de Slope Point


La naturaleza ofrece extraordinarios ejemplos de especies y su asombrosa capacidad de adaptación al medio, aun en las condiciones mas adversas sobreviven convirtiéndose en algunos casos en seña de identidad del paisaje del que forma parte.

Esculpidos por el viento

Debido a la exposición de los intensos vientos que tras recorrer 2.000 kilómetros provenientes del circulo polar antártico, y superar los escarpados acantilados que forman la franja costera que dilimita la región de Slope Point. Penetran en el interior de la isla golpeando sobre las agrupaciones de arboles que se mecen adoptando curiosas formas.

Estas esculturas orgánicas que se han formado a lo largo de cientos de años como consecuencia de la presión que ejercen las rachas de viento. Que llegan alcanzar una velocidad de mas de doscientos kilómetros, razón por la que la zona se encuentra practicamente inhabitado.

A medida que crecen los árboles son esculpidos constantemente por el viento que viene del Océano Austral. Orientando sus ramas se  en dirección norte, con el fin de ofrecer la menor resistencia al vientos.

Vientos del sur

Slope Point situado en el sur de Nueva Zelanda es una franja de tierra compuesta por pastos donde pacen algunos rebaños diseminados y cuya población mas cercana se encuentra a una distancia de setenta kilómetros. Su aislamiento y riqueza paisajista  la han convertido en destino para excursionistas y amantes de la naturaleza.

Que atraídos por su riqueza natural y por las singularidades de su ecosistema, recorren sus llanuras descubriendo nuevos asentamientos Donde contemplar ejemplares de arboles centenarios que se apelmazan unos contra otros creando un parapeto natural, con el que protegerse de la furia de Eolo.

Hello Woods, un festival de diseño en madera creativa y social que resurge de sus cenizas


Como cada año desde su inicio en 2.010 se celebra en las inmediaciones del lago Balaton en Hungria el encuentro multidisciplinar Hello Woods. Encuentro creativo donde se utiliza la madera como materia prima para encontrarles nuevos aplicaciones y solucione funcionales. 

Ubicado a poco mas de cien kilómetros de Budapest. Las instalaciones del evento ocupan una casa solariega. Para esta última edición se han reunido a ciento veinte participantes agrupados en comisiones formadas por profesionales. 

Que han desarrollado una diversidad de proyectos cuyas comisiones de trabajo se han panteado desde una óptica trabajo colectivo y el intercambio de ideas. En las que se han explorado el rendimiento que ofrece el tratamiento de la madera y sus aplicaciones a diferentes usos sociales.



Compuesto predominantemente por estudiantes tanto de arquitectura, como de diseño y bellas artes. Para esta edición han abierto el abanico de posibilidades incorporando profesionales de otros ámbitos. Integrando de forma inclusiva ambitos como el arte, el diseño o la ciencia. Estrategia cuyo propósito era fomentar el sentido de comunidad y fomentar los procesos creativos.


Tras realizar una pre-selección de las candidaturas presentadas, los equipos ejecutaron a lo largo de la segunda mitad del mes de Julio. Las propuestas que por sus características mejor se adaptaban a los criterios tanto estéticos y como de valor funcional planteados.


En total se completaron 12 instalaciones construidas integramente en madera, cuyo enfoque abarcaba diferentes propuestas efímeras. Partiendo de un contexto y principio donde se prioriza los criterios sociales.


Proyectos como Funnel exploran está idea, siendo una estructura que denuncia los efectos de la contaminación lumínica en grandes ciudades como Berlin que impide observar las estrellas. Se trata de un planetario de viento ondulado.

Compuesto por un marco exterior se trata de una estructura hiperbólica estable, mientras que el interior está constituido por láminas de madera curvada que cuelgan de la parte superior. En MILL of Mordor sus creadores diseñaron combina una solución basada en la energía eólica y una estética tradicional que obedece a las características del paisaje sobre el que actua. Propuesta que no sólo ofrece una experiencia visual, sino que también refleja una apuesta por la sostenibilidad y el uso de los recursos naturales. 


En BigO se construyo un toroide. Una estructura en forma de anillo aplicando un proceso de fabricación de alta tecnología, por el que se obtiene una madera de extraordinaria flexibilidad.


Según los creadores de Poliphony, el mayor reto en nuestras vidas es que la globalización, el mundo digital y el estilo de vida actual no nos haga olvidar nuestra capacidad de vivir. Con este objetivo crearon un lugar donde nuestros sentidos se fusionan en una experiencia  intensa e inmersiva vinculada a la naturaleza. 


Ya para finalizar este somero repaso citaremos el proyecto Panorama Peep Hole. El equipo detrás de la idea considera que las mejores cosas de la vida son a menudo las más simples, como la de ir de excursión a un entorno natural. Para eso construyeron una torre con barras a diferentes alturas que ofrecen perspectivas sobre el paisaje y la oportunidad de vivir una experiencia netamente en un contexto rural.


JUMP INTO THE FUTURE:

As a result of the forced break due to the outbreak of the pandemic caused by the Covid-19 virus. The organisation of Hello Woods has been delaying until the summer of 2023, which has announced its return to be held between 6 and 15 July. For this return they have chosen as location the vicinity of the town of Zalahahap in Hungary. In the following link HERE you can find all the information available about the organisation and how to participate.

ALSO IN SPANISH:

Como consecuencia del parón obligado por la irrupción de la pandemia provocada por el virus Covid-19. La organización del Hello Woods ha estado dilatando hasta este verano de 2023, que han anunciado su regreso para su celebración entre los días 6 y 15 de julio. Para este retorno han elegido como ubicación las inmediaciones de la localidad de Zalahahap en Hungria. En el siguiente enlace AQUI tenéis reunida toda la información disponible acerca de la organización y cómo participar.


Heather Dewey-Hagborg - Stranger Visions, caras en 3D hechas a partir de material genético


Con que denominación artística se debería definir el trabajo que realiza la artista con sede en New York Heather Dewey-Hagborg, bioart, arte orgánico... La verdad es que puede ser mas complejo de lo que parece en principio,  como para tratar de reducirlo a una simple etiqueta o una corriente artística emergente. 

Pudiendose establecer todo un debate al cual habría añadir matices éticos y morales al intercambio de pareceres, más allá de los dilemas propios de la concepción artística que pudiera motivar este tipo de manifestaciones creativas, en cuanto a lo estrictamente estetico. 

En el caso de Heather utiliza en la elaboración de sus caretas impresas en 3D, técnicas de amplificación de regiones de ADN como la PCR. Para secuenciar partes del genoma de individuos que de forma anónima y sin su conocimiento, han cedido altruistamente su información genética contenida en la saliva de los chicles que Heather recoge en sus cotidianos paseos por la gran manzana.


MASCARAS REALIZADAS A PARTIR DE MATERIAL GENETCO
 
El proyecto Stranger Visions (Visiones extrañas) es el resultado de su fascinante, aunque un poco desconcertante colaboración con el laboratorio de biología Genspace. En cuyas instalaciones conoció a varios biólogos, encuentros que les aporto los conocimientos precisos. A través de los que se dio cuenta de las posibilidades artísticas y el potencial creativo, que la biología molecular y la secuenciación de ADN podían suponer.

Inquietud por la incorporación de la biología como detonante creativo que sin embargo cuenta con un antecedente, que se produjo. Cuando estando osbervando un filamento capilar o cabello que le colgaba a una paciente, que al igual que ella esperaba en la sala de espera su turno para que fuera atendida por su medico. 

Ya de regreso a su casa en Brooklin comprendió lo excitante que seria aprovechar toda esa información, para crear algo desconocido hasta este momento en el mundo del arte. Tras extraer el ADN en el laboratorio y amplificar ciertas regiones utilizando la técnica de PCR.  Selecciono aquellas áreas y las variantes alelicas del genoma identificadas como las que inducen la diversidad en el fenotipo de los individuos. Centrándose específicamente en lo que se conoce como SNPs o polimorfismos de nucleótido único. 

Modificaciones que afectan a una sola de los nucleótidos CGAT dentro de una misma secuencia de ADN. Empleando un programa de bioinformática determino que alelo en concreto estába modificado por una SNP particular. Determinando la particularidad genomica de
 lod rasgos genéticos físicos de cada individuo.

Tras reunir todos estos datos procedió a parametrizar un modelo 3D de un rostro en concreto que representan sus rasgos característicos. Por ejemplo, el género, ascendencia, color de ojos, color de pelo, pecas, piel más clara o más oscura, y ciertos rasgos faciales, como anchura de la nariz o la distancia entre sus ojos. 

Para completar el proceso exportó el conjunto de los datos para ser reproducidos fisicamente utilizando una impresora 3D ZCorp. La que imprime a todo color recurriendo a un tipo de material en polvo, una especie de grano fino combinado con pegamento. 

Los retratos resultantes son aproximaciones más o menos fieles de personas anónimas que sin saberlo, impregnaron con su huella genética el resto de una goma de mascar escupido en una calle de la ciudad al azar. A través de los retratos figurativos que compone Stranger Visions, Dewey-Hagborg plantea debates como el determinismo genético y la posibilidad de que se fomente una cultura que cuestione la identidad individual de cada sujeto, actúando sobre algo tan intimo y frágil como es su herencia biológica. 


El proyecto plantea preguntas sobre la utilización del ADN, la privacidad, y los numerosos problemas jurídicos y bioéticos que implican. En el documental DNA Portrait dirigido por Kari Mulholland, para  
profundizar más en el proceso de cómo se abordo y se realizó el proyecto se recomienda ver la siguiente ofrecida por el TED.




Mosstika, graffiti en césped con mensaje medio-ambiental


La artista Edina Tokodi (Mosstika) es una activista de una corriente artística denominada eco-urbano, esta  propuesta consiste en realizar intervenciones artísticas en el entorno urbano empleando materiales de origen biológico. 

En el caso de Edina, que estudio Artes y Diseño en la Academia de Bellas Artes de Hungría. Realiza murales a medio camino entre el graffiti y la instalación más formal y ortodoxa, empleando materiales como el musgo, cesped y en menor medida residuos forestales.

Con ellos representa escenas del mundo natural. La mayoría de sus creaciones están hechas para ser contempladas en dos dimensiones, aunque cuenta con instalaciones tridimensionales. Según la autora el propósito de su trabajo es integrar en el paisaje urbano.

Elementos pertenecientes al medio ambiente.  Al incorporar la vida vegetal y otros materiales encontrados en el entorno natural local con fotos o elementos gráficos, sus obras disuelven las barreras entre el espacio privado y el público.


Su planteamiento se puede abordar desde un escenario que permite desarrollar narrativas expresivas que faciliten el acceso a un publico más mayoritario. En un nuevo entorno para ver arte. 

Entre los elementos orgánicos e inorgánicos del paisaje urbano, y la naturaleza utilizando la practica artistica. Su trabajo aboga por una vida sostenible y llama la atención sobre la ausencia de la naturaleza en la vida cotidiana. 

Trasladando sus instalaciones o sus escultóras del ámbito cerrado y limitado de las galerías al espacio publico, facilitando el acesso a la practica artistica a un número cada vez mayor de publico. Que de otra forma suele permanecer ajeno a la actividad artistica.